Ковка, кованые изделия и
кузнечные работы в Москве
Тел.: 8-916-151-4139


Искусство Возрождения. Очерк 1

 
На смену культуре средних веков пришел подлинный расцвет искусства, называемый теперь эпоха Ренессанса (от французского Renaissance, итальянского Pinascimento). Мы до сих пор черпаем идеи и открытия, сделанные художниками и мастерами того времени. Все современные стили искусства выросли из Ренессанса, явились его логическим продолжением. То же касается науки, техники и ремёсел.
 
Многие кузнечные изделия «Le Jardin» впитали в себя отголоски приемов и традиций, характерных для Ресессанса.
Например, посмотрите на средневековый рыцарский шлем
В этих кованых перилах использован мотив рисунка на этом шлеме.
 
И в этих ещё не готовых перилах также читаются отголоски средневековых рисунков:
 
В этом каминном наборе можно увидеть, как волюты рисунка повторяют традиционный орнамент из книжных офортов Ренессанса.
 
Культуры этого периода возникла не на пустом месте. Это, прежде всего, творческая переработка наследия античного мира. Итальянцев окружали творения древних греков и римлян. Термин «Возрождение» и есть возрождение античного искусства.
 
Греческий меандр до сих пор часто используется «Le Jardin» для узора кованых изделий.
Только, конечно же, с учётом современных достижений науки и промышленного ремесленничества. Широкому распространению таких познаний способствовала развитию книгопечатания в Европе. Знаменитое издательство Альда Мануция печатало книжные шедевры по древнегреческой философии. Это подталкивало интерес к этой теме у огромного количества граждан, в основном обеспеченных и власть имущих. У них были деньги и был спрос на такие творения. Художники шли навстречу пожеланиям богатых клиентов, изучали эту тему и сами развивали её.
 
Некоторые ушли гораздо дальше необходимого в ремесле и достигли фантастической высоты в понимании философии и отражение её на полотне и в камне. Не надо забывать, какое место в жизни играла христианская церковь в то время. Строились многочисленные храмы – потребовались отличные архитекторы. Стены этих Храмов нужно было украшать фресками, мозаичными полотнами. Резчики по дереву и камню трудились не покладая рук, создавая замечательные капители колонн. Высочайшая конкуренция между творцами заставляла их глубже и настойчивее изучать законы анатомии человеческого тела, перспективы и действия света.
 
Вспомним, какими разносторонними познаниями обладал Леонардо да Винчи. Важным был интенсивный обмен познаниями. Это была эпоха всплеска мобильности человечества. Колумб, Магеллан, другие великие мореплаватели привозят в Европу не только о новую информацию о строении Земли, но и образцы новых технологий и материалов. Две главные ипостаси довлеют в культуре: преклонение перед творческой силой разума и красотой человеческого тела.
 
Какие великие художники стояли у истоков стиля Ренессанс? Запомните эти имена: живописец Джотто ди Бондоне и поэт Данте Алигьери. А как вам изречение их современника Пико делла Мирандола из сочинения "О достоинстве человека" если дать человеку свободу действий он сможет сам управлять судьбой и обществом. Потрясает, что сказано это было в конце 15-го века! В картинах и фресках образы мифологических персонажей стали приобретать новые человеческие черты.
Важным явилось внесение в искусстве действия, изображающий не покой, а движение, происходящее во времени. Первый художник, который стал изображать действие – Джотто.
 
 
Ренессанс явился мощным толчком для развития европейской цивилизации. Конечно, он не возник моментально. Он делится на несколько периодов своего развития. Высшее приходится на 16-й век. Это высокое или классическое возрождение. Тогда ренессанс распространяется на другие страны Европы.
 
Приближенность к живому миру способствует более понятно и убедительно постижению веры. В литературе процветает народный язык. "Декамерон" Бокаччо отчёт найти наглядное тому подтверждение. Один из самых почитаемых в Католической церкви святой Франциск Ассизский проповедует мир и любовь на народном итальянском языке, понятном простому народу. Он принадлежит к францисканскому ордену. В 1209-м году этот орден проповедует аскетичность в жизни и обязанность перемещений с место на место. В ту пору отсутствие прессы и телевидения мобильности таких проповедников являлась важнейшим способом передачи знания, информации.
 
Для простых людей в средние века Иисус был сыном божиим, Дева Мария была дочерью Всевышнего, Небесной Царицей. Теперь же для людей Иисус стал человеком, Дева Мария – милой и доброй женщиной. Раньше их изображения были только в виде мозаики на стенах а теперь стали выставляться, нарисованные на досках как движимые картины, возле которых верующие могли молиться. Изображения стали более оживлёнными или привлекательными, а краски – свежими, изящными и натуральными. Дева Мария уже изображается не с короной на голове, а в простом платье, в плаще с капюшоном на голове. На руках у неё младенец Христос, но не в пышном усиленном звёздами костюме, а завёрнутый в простой платок.
 
Также важно, что живописцы начинают внимательно наблюдать и изображать природу, отходят от вековых штампов. Стены в церкви превратились в иллюстрированные книги. Расписать стену красочной картиной стоило намного дешевле, чем выложить мозаикой и это было аскетичнее, что отвечала вектору развития церкви в то время. В то время народ в массе своей был неграмотен и по картинам в церквях священники пересказывали пастве Библейские сюжеты.
 
Вот примеры узоров на стенах и потолках зданий начала периода Ренессанса
Орнаменты, изображённые на этой картинке перекликаются с этими изделиями.
 
В начале 14-го века появились художники, которые стали выстраивать на своих картинах объемные композиции: с перспективой, пейзажем на заднем плане. Картины ещё больше оживали. А потом появились эпизоды из реальной жизни. Это был настоящий прорыв! Реальные ландшафты моей любимой Тосканы ворвались на фрески церквей! Убогие скалистые горки уступили место виноградникам на склонах холмов, полям, берегам озёр и морских заливов.
 
В следующем очерке мы продолжим рассказ об искусстве Ренессанса.

Искусство Возрождения. Очерк 2

 
Джотто сделал огромный скачок в изображении действия. И самое главное -  произошел решающий поворот в развитии всей европейской живописи, появление чувства пространство в котором движется человек. Жесты людей изображенных на фресках, их взгляды, положение тел поясняют поступки и настроения. Картины проходят перед взором зрителей как песни эпоса. Поразительно с какой ясностью и отсутствием элемента мистицизма написал Джотто свои произведения. Вместе с этим меня восхищает лаконизм его картин с какой-то математической четкостью изображены события, нет натуралистических подробностей. Нет мелочей, есть какая-то резко очерченная замкнутость, но это придает изображению священное величие, которое соответствует и теме, и стилю декоративного искусства.
 
Для меня лично удивительно то, что почти 600 (!) лет назад  Джотто прекрасно осознавал, что должно являться целью любого декоративного искусства. Художники поняли эти только на рубеже 19-20 века, когда завершилось движение в сторону реализма. Даже как-то неловко признавать, что этот человек опередил своё время на такой огромный срок!
 
Логическим продолжением «оживления» мифологических и евангельских образов явилось появление фрески художника Амброджио Лоринцетти  «Доброе правление в городе Сиена» (1338). На ней впервые в искусстве была представлена повседневная жизнь жителей города Сиены.
Надо сказать, что на протяжении всей истории Ренессанса наблюдалось соперничество 2-х школ живописи: сиенской и флорентийской.
 
Но после Джотто дальнейшее развитие искусства Ренессанса – это подробная детализация изображения вещей, одежды, природы. И, в то же время, создание фантастического мира, волшебства, стоящего за гранью реальности.
 
Вместо нейтрального фона появляется сложный декоративный пейзаж. Художник с какой-то невероятной настойчивостью вырисовывает узор на пуговице знаменитого горожанина или тычинки на ярком цветке.
 
Здесь надо упомянуть замечательного  художника Антонио Пизанелло (1395-1455). Ценность его портретов, прежде всего, в точном портретном сходстве с изображёнными на них персонажами.
А какие медали он делал! Обычно на аверсе (лицевой стороне медали) помещали профиль заказчика в окружении девиза, а с другой (на реверсе) – какую-либо человеческую добродетель или демонстрировали какое-то славное деяние клиента.
У Пизанелло в медалях была блестящая лаконичность и ясность. Он первым начал делать зарисовки с натуры людей, животных, растений, чтобы потом использовать их в своих работах. До этого художники собирали в своих презентационных альбомах только традиционные эскизы, выполненные в мастерской.
 
В росписи стен, фризов, потолков стали появляться такие мотивы
«Le Jardin» использует эти орнаменты при изготовлении многих кованых решёток.
 
Интересно, что параллельно с новыми тенденциями в искусстве Ренессанса в это время во Флоренции существовал тихий одинокий монастырь, до стен которого ещё не докатились волны нового века.
 
Это доминиканский монастырь Сан Марко, где жил и творил Фра Анджелико (1400-1455). Он признавал только бледные «акварельные» тона. Изображал чувства нежные кроткие, блаженство или тихую скорбь.
 
В галереях всего мира находится множество произведений этого беспредельно трудолюбивого монаха.
Фра Анжелико плакал когда рисовал печальные вещи, потому что  муки святых глубоко волновали его душу. Это значит, он обращался ближе к сердцу, чем к взору зрителя. Хотя Фра Анджелико пользовался обычно формами готической архитектуры, он не сторонился, однако, и стиля ренессанса. Анжелику в некоторых из своих картин погружался с любовью мелочи природы. Привлекательные очертания гор служит ему иногда фоном. Не уставал он изображать и луг в весеннем одеянии, когда на нём распускаются 1000 цветов. Если изображается Благовещение, то Мария выслушивает весть ангела с робкой девической смущённостью.
  
Мне очень нравится фигура Св.Доменика с фрески «Осмеяние Христа» (1441)
 
В следующем очерке – продолжение

Искусство Возрождения. Очерк 3

 
Любой исследователь, изучающий искусство Возрождения, отмечает как нечто особенное капеллу Бранкаччи (Cappella Brancacci), где прозвучал последний аккорд эпическому монументальному стилю Джотто.
 
Два художника: Мазолино (1383-1440) и Мазаччо (1401-1428) в 1425 году приступили к росписи капелла Бранкаччи во Флоренции. Мазолино на своих картинах изображает евангельские сюжеты , но забавно то , что персонажи были одеты не в традиционные аскетические тоги , а в современные аристократические наряды того времени.
Фрески Мазаччи в капелле Бранкаччи, без сомнения, можно отнести к шедеврам живописи того времени , он смог изобразить сиюминутные движения , проникнуть в характер персонажей . Он впервые применил линейную и воздушную перспективу.
 
Для целых поколений будущих художников он стал образцом для подражания . На этой картине меня восхищает,как уверенно художник передал резкие движения . Потому что в христианском искусстве это было сделано впервые .
 
На этой картине фигура юноши стоящего на коленях , благодаря смелой и уверенной трактовке обнаженного тела , стало предметом восхищения и образцом для копирования .
 
Сильное влияние фресок в капелле Бранкаччи оказали на Фра Филиппо, Фра Беато Анджелико, Сандро Боттичелли,  Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти и на многих других знаменитых впоследствии художников , посещавших её для изучения. По фигурам, изображенным Мазаччо можно понять , что он достоверно изучил анатомию и античную скульптуру. Кажется , что его люди обладают массивными , реальными телами. И краски Мазаччо отличаются от бледных красок раннего периода. Они сочные , полны экспрессии.
 
Ещё Мазаччо стал по-другому изображать нимбы над головами святых. Нимб стал трехмерным, парящий над головой . Раньше голова изображалось на фоне золотистого нимба. Реализм становится все более отчетливым.  Ещё шаг и картины приобретут фотографическую точность .
 
Отличие Мазаччо от Мазолино в том,что для него главное— общая композиция. Он избегает мелких деталей , которые может быть , и интересны, но способны отвлечь внимание от центральной идеи. Когда в XVI веке уставшие от скуки скурпулёзного до мелочей реализма люди вновь захотели простоты, молодые художники избрали своим путеводителем именно Мазаччо. Они приходили в Бранкаччи, как в некий университет. Они учились у него монументальности стиля. Мазаччо был связующим звеном между монументальным стилем Средневековья и Высокого Возрождения.

Искусство Возрождения. Очерк 4

 
В начале XVIвека Возрождение в Италии окончательно победило готику. Почти одновременно в Италии и в Нидерландах художники стали возвеличивать земного человека, его красоту. Но реальный мир, то, что окружало человека, должно было найти дорогу и на художественные полотна.
 
Началось заполнение изображений фигурами и предметами обыденной жизни.
 
Во Флоренции возник мощный очаг художественной и научной культуры. Правил городом герцог Козимо Медичи, покровительствовавший искусствам и науке.
Художники напрягали все силы, работали в атмосфере непрекращающихся научных изысканий. И, поэтому, быстро смогли добиться впечатляющих успехов.
 
Именно тогда были открыты законы перспективы. Можно было установить правильное соотношение фигур в пространстве, можно было работать над развитием пейзажа.
 
Основателем учения о перспективе является Филиппо Брунеллески (1377-1446). Важная роль в теории перспективы принадлежит также математику и архитектору Паоло Тосканелли.
 
Грандиозный купол флорентийского собора Санта Мария дель Фьоре  диаметром 42 метра  - это первый крупный памятник ренессансного зодчества. Он был возведён с помощью специально сконструированных механизмов.
Двери для собора изготовил Лоренцо Гиберти (1378-1455) – величайший мастер рельефа. Увидев их впервые, Микеланджело воскликнул: «Они так прекрасны, что годились бы для дверей Рая!»
В мастерской Гиберти учился Донателло, который создал ренессансную скульптуру свободно стоящей статуи, настенных архитектурных плит, конного памятника, «живописного» рельефа.
 
Он создавал статуи, обладавшие яркой индивидуальностью. Его святые и герои кажутся вполне реальными личностями.
 
Донателло создал первую в постантичном  мире статую обнажённого Давида
 
и первый конный монумент – скульптуру кондотьера Гаттамелаты.

Искусство Возрождения. Очерк 5

 
Влияние Донателло на искусство Возрождения огромно. У него учились многие живописцы и скульпторы: Паоло Уччелло Андреа дель Кастаньо, Мантенья, а позднее – Микеланджело и Рафаэль.
 
Донателло изобрёл так называемый «живописный» рельеф: засчёт градации высоты рельефа создаёт впечатление глубины пространства. Уччелло впервые изобразил реалистичную картину битвы. Он стоял у истоков европейской батальной живописи.
 
Паоло Уччелло (1397-1475) привлекало изображение персонажей в сложных позах, в разворотах. Перспективу он понимал не как художественный приём, а как строгий математический закон природы.
 
В те времена на публичных площадях было принято ставить огромную картину, изображающую всадника. Это отвечало духу Ренессанса.
 
Уччело первым нарисовал конную статую для Флорентийского собора. Именно его картину использовал Донателло в качестве эскиза, когда создавал статую Гаттамелаты.
Художник Андреа дель Кастаньо (1423-1457) создал выдающийся фресковый цикл «Знаменитые люди». Это три флорентийских военачальника, три выдающиеся женщины и три поэта.
 
В это время велись активные научные изыскания в области новых рецептов красок. Фресковые краски не годились для станковых картин.
 
Нидерландские художники пользовались красками, вызывавшими восторг у зрителей.
 
Восполнил этот пробел художник Доменико Венециано (1410-1461). Он смог придать своим краскам больше яркости, блеска и похожего на эмаль перелива.
Венециано первым использовал цвет для отображения эмоционального состояния человека. Когда смотришь на его картины, тебя завораживает какой-то серебристый свет, исходящий от его картин, создающий ощущение наполненности пространства воздухом и светом.
 

Искусство Возрождения. Очерк 6

 
Следующий художник, внимание к которому мы обращаем – Фра Филиппо Липпи (1406-1469). Жизнь его была полна настоящих приключений. Ещё ребёнком он стал послушником  в монастыре, откуда в 17 лет сбежал. Однажды, катаясь по морю с друзьями, он был захвачен пиратами и 18 месяцев провёл у них в тюрьме. Но узнав, что он – отличный рисовальщик, бандиты заказали ему несколько своих портретов. Он получил свободу и вернулся во Флоренцию.
 Автопортрет Липпи с картины «Коронование Марии» 1441 г.
 
Он был замечен Козимо Медичи и вёл жизнь, полную удовольствий. Из его похождений особенно известен роман с Лукрецией Бутти. Он похитил её из монастыря Святой Маргариты, пообещав жениться. Но когда родился сын, Филиппо Липпи вернул жену обратно в монастырь. Сын впоследствии стал также знаменитым художником – Филиппино Липпи.
 
Этот случай говорит о том, что в то время, когда вознёсся культ человеческого достоинства, даже у монахов появилось мужество отстаивать своё право на чувственные наслаждения.
 
Часто картины Липпи не отвечали требованиям церковной живописи. В них много искреннего жизнелюбия, гуманности. Они производят неотразимое впечатление!
 
Любая Мадонна у Липпи – или очаровательная невинная девушка, или нежно любящая мать. Его Младенцы-Христы и ангелы небесные – реальные дети, пышущие здоровьем и весельем.
Этот алтарный образ Марии очень понравился Козимо Медичи, который стал с этого момента поклонником и покровителем Липпи.
 
Липпи стал первым итальянским художником, который стал писать картины в стиле «тондо» - круглые картины, похожие на блюда. Они широко применялись в домашних молельнях, а потом и в церквях, придя на смену традиционным триптихам.
 
Картины Липпи – картины человека, откровенно  выражающего свою влюблённость в жизнь.

Искусство Возрождения. Очерк 7

 
Беноццо Гоццоли (1420-1495) как и Филиппо Липпи, учился у Фра Анджелико.
Этот художник был выдающимся трудягой и отличался поразительной быстротой сотворения шедевров. Он покрывал стены огромными картинами-рассказами.
 
Однажды Козимо Медичи поручил ему сотворить в своей домашней капелле шествие трёх волхвов.
 
Художник поразительно интерпретировал сюжет, превратив шествие в рыцарский поезд.
Вельможи едут на конях в сопровождении слуг и пажей.
Художник также изобразил пейзаж со скалалми, плетистыми розами,лесными полянами,где пастухи пасут свои стада. Среди розовых кустов снуют ангелы. Они вьют венки и гирлянды в честь Христа.
 
Именно это сочетание реализма и романтизма придаёт картине немыслимое очарование.  
 
Гоццоли — первый из художников Ренессанса,кто создаёт богатые ландшафтные фоны картин с деревьяи,виллами,городами,реками и прекрасно возделанными долинами. Пейзажи оживают,когда когда художник изборажает на них различных животных. Часто вводит в пейзаж группы людей, среди которых его знакомые, современники.
 
Между 1465 и 1485 годами художник создаёт серию из 25 фресок, украсивших северную стену Кампо-Санто в Пизе. На них изображены события Ветхого завета от Ноя до посещения Давида царицей Савской.
 
В этих произведениях Беноццо Гоццоли со средневековым мировоззрением сталкивается влюблённое в жизнь миросозерцание Ренессанса.
 
В начале XV века дух нового искусства был так силён, что даже из провинции выходили художники, сыгравшие ршающую роль в развитии нового стиля.

Искусство Возрождения. Очерк 8

 
Пьеро делла Франческа (1420-1492) художник, сформировавшийся под руководством Доменико Венециано, подмастерьем у которого он работал над фресками Санта-Мария Нуова во Флоренции. Для многих молодых художников образование заключалось именно в том, что они начинали работу у своего учителя в качестве помощника, выполнявшего самые примитивные операции: подготовку поверхности стены под роспись, размешивание красок. Потом, иногда через годы, им доверяли нарисовать какую-либо деталь на полотне или стене. Так постепенно шло их обучение мастерству. А попрактиковаться было где! Ведь тогда без росписи стен невозможно было представить себе ни одного государственного учреждения, ни одной из многочисленных церквей, ни одной аскетичной(!) кельм простого монаха. Фра Анджелико распиисал так все кельи братьев в своём монастыре!
 
Художник плюс подмастерье, странствующие пешком по стране — это была обычная картина для того времени. Конкуренция среди них была такой высокой, что для того, чтобы получить заказ, приходилось доказывать своё высокое мастерство. Богатые меценаты стремились заполучить талантливого художника, чтобы их покои были украшены лучше, чем у другого богача. Ведь "соревнование" интерьеров возникло не сейчас. Мода на определённые украшательства волнами наступала и откатывалась, давая возможность проявить себя всё новым и новым творцам.
 
Интересно, что в то время художников не относили к деятелям искусства, как сейчас. Если допустить такое сравнение, к ним относились, как сейчас к строителям-отделочникам.
 
Итак, вернёмся к Пьеро делла Франческо. После работы над фресками госпиталя Санта-Мария Нуова, он был приглашён папой Николаем V в Рим для работ в Ватикане, а затем, в 1451 году — к герцогу Сиджизмондо Малатеста в Римини, где создал замечательный по простоте, с благородной и точной композицией образ Святого Сигизмунда. Но самым значительным произведением этого мастера явился цикл фресок, основанный на "Золотой легенде" Якопо Вораджине (середина XII века), повествующей об истории Крестного дерева, которая была чрезвычайно популярна среди простонародья. Эта история изобиловала чудесами.
Пьеро делла Франческо выбрал из них 10 эпизодов, связанных с Адамом, Соломоном, Константином и Ираклием.
 
С историей Христа непосредственно связана только одна тема — Благовещения. Сцены расположены в три регистра. Начинаются с "Произрастания древа из головы Адама" и заканчиваются на противоположной стороне "Прославлением Креста".
 
Пространственные композиции математически выверены. Колорит красок какой-то прозрачный. Трудно отделаться от впечатления, что это не нарисовано акварелью на бумаге. Даже в пасмурный день кажется, что находишься на солнечной улице. Вместе с огромными размерами картин это создаёт какое-то мистическое ощущение!
 
По легенде по пути в Иерусалим царица Савская преклонила колени перед брусом, брошенным как мостик через ручей.
Он был сделан из дерева, проросшего из семени Добра и Зла, вложенного в рот Адама при погребении, а впоследствии выброшенного при строительстве Иерусалимского Храма. Поклонившись этому брусу, она предрекла, что Спаситель человечества будет повешен на этом древе и оттого царству иудеев придёт разорение и конец.

Искусство Возрождения. Очерк 9

 
И ещё на одной картине Пьеро делла Франческа я хотел бы остановиться. Это – «Бичевание Христа». Картина по композиции необычна. Главная сцена – на заднем плане. Архитектурные детали точны до мельчайших подробностей. На переднем  плане, справа,  - трое мирно беседующих граждан. Специалисты по искусству Ренессанса утверждают, что это члены знатной семьи Монтефельтро в платьях из роскошных тканей.
 
Здесь мне интересны две вещи: художник совершенно не стремится следовать исторической действительности в изображении костюмов и невольное соседство Христа и богатых покровителей художника. Что это – отрабатывание гонорара или просто так было принято в то время? Даже в наше время любого атеиста покоробило бы соседство какого-нибудь толстосума и на фоне библейской трагедии.
 
Но если отбросить нравственные проблемы, надо признать, что в творчестве многих  художников фотографически точно изображался тогдашний быт. Видимо, тогда к такому положению вещей относились намного снисходительнее.
 
На картине «Мадонна Монтефельтро» Пьеро делла Франческа смог гениально изобразить яйцо, свисающее со свода апсиды церкви. Оно как бы свободно парит в пространстве.
Художник много работал над тем, какими красками и техническими приёмами можно изобразить атмосферу воздуха на картине. Он открыл закон затушёвывающего и заглушающего краски воздуха. На более или менее значительном расстоянии предметы теряют свои пластические очертания и передаёт это явление расплывчатостью контура.
 
На этой картине впервые в истории изобразительного искусства художник попытался передать эффект ночного освещения с глубокими тенями и слабым источником света.
Это – настоящий прорыв в живописи!

Искусство Возрождения. Очерк 10

 
Одним из величайших  живописцев эпохи Возрождения был Андреа Мантеньи (1431-1506).
 
В 10 лет мальчика усыновил художник Франческо Скворчоне. Но самое серьёзное обучение прошёл он, когда работал в Падуе рядом с великим скульптором Донателло. Тогда, когда была создана статуя Гаттамелаты и рельефы на алтаре Сан-Антонио.
 
Возле Донателло работал Паоло Уччелло и этот великий художник настойчиво передавал Мантеньи своё учение о линейной перспективе.
 
Он просто одержим стремлением изобразить на плоскости иллюзию трёхмерного пространства.
 
Впоследствии Мантеньи щедро развил и обогатил это учение произведшими настоящий переворот открытиями.
 
Мантеньи стал изобретателем перспективной плафонной живописи. Посмотрите на эту картину. Подняв голову, мы как-будто видим небо и отверстие в куполе Храма, по краю которого на нас, словно живые, смотрят евангельские персонажи и ангелы.
 
Мантеньи стал предшественником Корреджо, Веронезе и Тьеполо.
 
Надо отметить, что Мантеньи был выдающимся портретистом. У этого жанра были 2 стадии эволюции: сначала портреты конкретных людей включались в основную композицию картины, а затем (впервые под рукой Пизанелло и Пьера делла Франческа) стали появляться и отдельно от сюжетов, но все они изображались только в профиль. На этом портрете Мантеньи впервые «развернул» лицо на три четверти. Посмотрите, какая «скульптурность» в лице, тёмный силуэт. Удивительно выразительный портрет! Художник вглядывается в каждую деталь и с большой точностью выписывает её.
 
Это – первая работа из серии выдающихся представителей семьи Гонзаго. Богатые представители аристократии часто заказывали большие картины из своей семейной жизни. В основном, для своих замков. Появились групповые портреты, изображавшие целую семью.
 
Картины Мантеньи для Гонзаго знаменуют целую веху в истории портретистики.
 
Я уже писал ранее, что у художников в изображении библейских сюжетов была своеобразный подход к подбору фигур, участвующих в композиции. Нередко такое соседство кроме как странным назвать  невозможно. Рядом с библейскими сценами изображались их покровители, которые просто проходили мимо  или остановились понаблюдать-послушать.
 
При этом они изображались в своих парадных или повседневных одеждах современной эпохи. Как если бы сейчас художник изобразил  какую-нибудь ветхозаветную сцену, а рядом изобразил бы её наблюдателя в джинсах.
 
Так вот, у Андреа Мантеньи наблюдается явный интерес к античности, не разбавленной современными участниками. Он до мельчайших деталей передаёт природные явления.
 
Отношение к античности у Мантеньи было потрясающим. В то время как остальные художники созерцали окружающую жизнь, он стал настоящим художником-археологом. Он всю жизнь занимался классической древностью, общался с профессорами Падуанского университета, обладал выдающимися знаниями на эту тему.
 
Из вещей, найденных и сохранившихся к тому времени, он нарисовал для будущих поколений картину исчезнувшего героического века итальянской истории. Военная организация древних римлян была ему отлично знакома, и архитектура, и ремесленничество, и религиозный быт.
 
Всё, что ни создал Мантеньи отличается от творений других художников именно античным духом.
 
Вот, например, картина «Мученичество Святого Себастьяна». Он прикован не к дереву, а к развалинам античного Храма. Обломки древних колонн разбросаны по земле. На пилястре – подпись художника, начертанная греческими буквами. Насколько было возможно, Мантеньи переводил христианские темы на античный язык. Он использовал памятники древности как составную часть религиозных картин. Но верхом изображения античной темы являются выполненные им декорации для театра, построенного семьёй Гонзаго. Это девять монохромных картин, которые образуют серию «Триумф Цезаря».
Пока картины не были завершены, их сюжеты появились в гравюрах. Несмотря на то, что только семь из них могут бесспорно считаться принадлежащими Мантеньи, влияние его на этот вид изобразительного искусства огромно. Благодаря широкому распространению гравюр этого художника итальянское Возрождение проникло в Германию, которая считалась Меккой гравировального мастерства в то время.
 
Мантеньи первым изучил анатомию обнажённого тела. Он первым принялся за исследование характера движения, механизма сокращения мускулов. Он обогатил Искусство новыми законами композиции. Все фигуры, изображаемые им на картине, участвуют в одном едином действии. Всё подчинено одной цели. И это отличает его от художников, которые до него очень любили «нанизывать» подробности на главную тему.
 
Мантеньи является основоположником живописи на холсте. До него рисовали только на стенах или на дереве. Самым ранним его живописным холстом является «Святая Ефимия» (1454).

Искусство Возрождения. Очерк 11

Мелоццо да Форли (1438-1494) – художник родом из Уимбри, скитавшийся по всей Италии.

Главное его произведение – «Основание Ватиканской Библиотеки». Создал его художник в Риме. В изображении перспективы, группового портрета видно сильное влияние другого выдающегося художника Ренессанса – Андреа Мантеньи

Эта фреска выполнена по заказу папы Сикста IV и посвящена основанию в 1475 году библиотеки и назначению её главой Бартоломео Платины (он стоит перед папой на коленях).

Мелоццо достиг потрясающих успехов в изображении купольных фресок. В церкви Святых Апостолов в Риме изображенный на куполе Иисус Христос будто парит в воздухе. И ангелы будто летают в небесах…

Но, к сожалению, это лишь свидетельства знатоков. Лицезреть этот шедевр невозможно, так как купол был разрушен во время Второй мировой войны. В пинакотеке Ватикана остались лишь фрагменты. Но и по ним можно судить, как тонко передавал художник красоту неземных созданий и перспективу

У туристов и знатоков большой популярностью пользуются сохранившиеся фрагменты фрески, изображающие ангелов с пышными, кудрявыми волосами, с развевающимися по ветру одеждами. Кажутся они летящими с музыкой и пением по воздуху…

Нужно обязательно отметить и Антонио дель Полайоло (1433-1498) – живописца, скульптора, ювелира и гравёра. До него нагие фигуры изображали крайне редко, и то в основном они были связаны с библейскими сюжетами. Например «Адам и Ева» в капелле Бранкаччи или «Принесение в жертву Исаака» Брунеллески.

Но с развитием искусства художники всё чаще обращались к этому вопросу. Полайоло стал изучать анатомию у операционного стола. По признанию критиков он стал первым художником, точно передавшим игру мускулов.

На фотографии скульптуры «Геракл и Антей», созданной по заказу Лоренцо Медичи, видно, с какой точностью и достоверностью скульптор передает динамику борьбы, сложные движения переданы с высочайшим мастерством.
Ещё нужно отметить важный прорыв, осуществленный Полайоло в такой узкой области, как гравюра на меди

Посмотрите на фото. До Полайоло резчики в основном использовали тонкую контурную линию. Изображения были скупыми и скучными. Какими-то плоскими. Антонио ввёл в штриховку разнообразие, позволившее изображать игру мускулов, скульптурную отчетливость нагим телам воинов. Ведь это не барельеф, а работа резцами. А кажется наоборот…

Как живописец Антонио Полайоло проявил себя в серии картин, связанных с мифологией. Они отличались небольшим размером.

Например, в этой картине замечательно изобразил обнаженное тело богатыря. Даже пальцы на ногах обхватывают камень для большей устойчивости, как напряжены его икры и бёдра, как вздымается его грудь. Всё это изобреталось впервые и стало настоящим прорывом в живописи Ренессанса.

Искусство Возрождения. Очерк 12

Изображения фигур у другого замечательного художника эпохи Ренессанса, Луки Синьорелли (ок. 1445–1523) были выполнены с мастерством настоящего скульптора. На многих фресках они изображены с каким-то подчёркнутым лаконизмом.

Профили и фигуры жёсткие и острые, как бритва. На этой фреске они напоминают современные нам монументальные полотна. Во всяком случае, «старинностью» здесь и не пахнет… Скорее, веет настоящим сюрреализмом. В этой фреске извивающиеся мускулистые фигуры поднимаются из могил, чтобы снова обрести земной облик.

Ну и, конечно, в ряду художников конца XV века отдельное место занимает Антонелло да Мессина (ок.1430–1479), который создал так называемые трёхчетвертные погрудные портреты, на многие десятилетия определившие развитие портретного искусства.

Взгляд модели на этом портрете до того выразителен, будто проникает внутрь зрителя. Он чуть скошен в сторону, противоположную повороту головы, и оттого кажется напряженным. Современным фотографам неплохо было бы иногда рассматривать старинные портреты. Как многому можно было бы научиться у их авторов!

Яркому творчеству этого художника способствовали знания, которые он почерпнул у нидерландских живописцев. Он первый стал работать в технике чисто масляной живописи. Как у Ван Эйка 3 составляющих определяли его успех: техническая виртуозность тщательная проработка деталей и монументализм форм.

Он переложил традицию нидерландского портрета на итальянское понимание образа человека. Антонио взял у Ван Эйка композицию, технику и колорит. Но особенностью его картин является нарочитая упрощенность рисунка. Он как бы обобщает детали. Вообще, его портреты напоминают скульптуры, которые просто взяли да раскрасили.

Прибыв в Венецию, Антонелло да Мессина просто «взорвал» местную школу живописи. Картина «Святой Себастьян» воплощает в себе идеал человека, побеждающего страдания. А игра света на его фигуре просто поражает.

Как и многие жизненные и политические процессы в истории, так и в искусстве сменяются часто на противоположные. В начале XV века художники жадно, смело пробовали новые, неизведанные способы выражения. Они подобно кондотьерам, закованным в железные латы, шли впереди войск наёмников. Раньше в картинах и скульптурах преобладала сильная энергия, мужественность, теперь, в конце XV века, наступила эра кокетливости, нежности и грации. Изображение стало каким-то жеманным, утонченным. Раньше художники работали в основном во фресковой живописи. Картинам на полотне уделялось мало внимания. Однако сейчас художники, многие из которых, кстати, были ювелирами, стали рисовать картины для богатых заказчиков, которые хотели, чтобы их дворцы и дома украшали картины со множеством изображенных на них предметов обихода, да не простых, а которые можно было отнести к роскошным.

Стояла важная задача придать картинам как можно больше блеска. Восточные ковры, разноцветный мрамор, чаши с цветами и фруктами призваны усилить очарование красок. Кудри у ангелов тщательно завиты. Пробор посередине, изящные линии волос… Ангелы преподносят Младенцу Христу цветы, преимущественно красные и белые розы. Часто фоном служит изгородь из роз. В XV веке произошло большое «переселение» из городов богатых семейств на природу, на дачу, как бы сейчас сказали. Богачи восхищаются природой и требуют от художников того же на их картинах.

Сандро Боттичелли. Портрет Симонетты Веспуччи. Этой красавице поклонялась вся Флоренция. Лицо её задумчиво и грустно. Семья Веспучии была одной из самых знатных в городе. Они всегда интересовались новыми открытиями и идеями.

Не случайно из этой семьи происходил путешественник Америго Веспуччи, в честь которого назван континент – Америка.

Искусство Возрождения. Очерк 13 - заголовок

В манускриптах Леонардо да Винчи назван по имени лишь один художник – «наш Боттичелли». В этом – оценка творчества, дань уважения великого художника. Вообще, вплоть до начала XX века Боттичелли считался второстепенной фигурой в истории итальянского возрождения. Лишь потом искусствоведы и знатоки «открыли» его для нас.

Сандро Боттичелли (1445 – 1510) всю жизнь работал во Флоренции. Лишь некоторое время провёл он вне родного города – когда расписывал стены Сикстинской капеллы в Риме (1481 – 1482 г.г.). Он был учеником Верроккио, Антонио Полайоло и Филиппо Липпи. Пожалуй, главное, что выделяет Сандро Боттичелли среди других современных ему художников – умение выразить душевное состояние изображаемых им персонажей. Глядя на выражения лиц сразу чувствуешь, кто из них грустит, кто безудержно радуется.

Любовь царствует тогда в искусстве. Вся Флоренция, затаив дыхание, следит за историей любви Джулиано Медичи и Симонетты Веспуччи. И Боттичелли доводит до нас память об этой любви. Флоренция в те времена была городом рыцарских турниров, маскарадов и увеселений. 28 января 1475 года на площади Санта-Кроче состоялся один из таких турниров. Его главным героем должен был стать Джулиано. «Прекрасной дамой» была Симонетта. Она была замужем за Марко Веспуччи. Джулиано даже заказал Боттичелли свой штандарт с её портретом. Любовь двух молодых людей продлилась недолго. Симонетта умерлся от чахотки в апреле 1476 года, а 26 апреля 1478 года Джулиано Медичи был заколот ножом наёмного убийцы во Флорентийском соборе во время заговора Пацци.

Искусство Боттичелли полно сперва их образами, а потом – памятью о них. «Венера и Марс» – это Симонетта и Джулиано.

Её лицо для художника – символ женской красоты. Джулиано никогда не может забыть его. Все его портреты отмечены тяжёлым, скорбным чувством. Таков знаменитый портрет с бледным лицом и опущенными глазами.

Портрет, написанный Боттичелли в 1478 году. То время слишком далеко от нас, но в любви этих людей друг к другу было что-то, что смогло сделать расчётливого политика и искусного правителя Лоренцо настоящим поэтом и что заставило его написать удивительные строки о любви и смерти. Отчего слава Боттичелли, казалось бы, погребённая в веках, вдруг неожиданно воскресла? Ритм линии. По меткому выражению одного исследователя, Боттичелли был «величайшим художником линии из всех, какие только существовали в Европе». «Чтобы удержать глаз на плоскости, не давая ему искать глубины, чтобы всецело удерживать внимание на ритме, Боттичелли берёт все формы в движении». Но он не воспроизводил и не копировал мир в линиях, выражающих движение. Он располагал их так, как подсказывало ему только его чувство ритма. Он выстраивал свои линии так, будто мозаичники выкладывают картины из кусочков цветного камня или как ткач ткал свой ковёр из разноцветных нитей. Но Боттичелли «ткал» свои картины из духовных нитей.

«Рождение Венеры» не только лучшая из его картин, – это лучшая картина на свете. Она поражает совершенным единством, в которой ничего не убавить, ни прибавить и в которой самые незначительные оттенки священны и нерасторжимы. Существует мнение, что и «Рождение Венеры», и рисунки к «Божественной комедии» являются только иллюстрациями к стихам современных ему поэтов. Но, скорее всего, будучи очень поэтичной натурой, Боттичелли лишь вдохновляли эти произведения на создание своих шедевров. Он мог написать картину под впечатлением прочитанного, но он никогда не пересказывал чужих слов. Он очень любил и почитал Данте, но назвать иллюстрациями рисунки к «Божественной комедии» ни в коем случае нельзя. Эти линии художник наносил на бумагу в минуты глубокого душевного созерцания любимой и знаемой до последних нюансов поэмы. Его совершенно не тревожила задача стать посредником между поэтом и читателем. Случай или какие-то внешние события в жизни великого художника соединили эти воздушные, в чём-то рассеянные линии в одно. Уже тогда нашлись люди, оценившие эти линии, их волшебный дар ритмической символики. При взгляде на низ не покидает благотворное очарование от изображения дыма от светильников, от вида падающих роз в изображении процессий торжествующей церкви. Кажется, что проникаешь внутрь заветного святилища. И там, именно там, какое-то раннее утро возникли волны ветра и розы в «Рождении Венеры». Мы не знаем ничего о внутреннем мире и переживаниях Боттичелли как отдельного человека, но можем догадываться, что он любил стихи Полициано, поэта, который много писал о любви Симонетты и Джулиано, о турнирах, о радостях сельской жизни, он видел ужины на великолепных террасах герцогских вилл Медичи, когда поэты читали стихи, и бледные лица Симонетты и Джулиано казались еще бледнее среди сочных вечнозелёных деревьев итальянского пейзажа. Он был человеком своего времени и делил его особенности. И тот несомненный интеллектуализм, какая-то невесомая отрешённость – этот тоже характерная для того времени флорентийская черта. Да и нужно не забывать, что уже тогда во Флоренции жил самый интеллектуальный из всех великих художников, Леонардо да Винчи. Здесь лежит разгадка того интереса к Боттичелли, который возник во времена импрессионизма и, особенно, модерна. Он для нас «свой». В нём живёт абсолютно современное нашему чувство и воображение. Он был одним из первых художников, чьё миросозерцание, чей подход к творчеству и поиски смысла жизни выражались в словах Паскаля: «Когда я размышляю о мимолётности моего существования, погружённого в вечность, которая была для меня и пребудет после, о ничтожности пространства, не только занимаемого, но и видимого мною, растворённого в бесконечности пространств, мне неведомых и не выдающих обо мне, я трепещу от страха и недоуменно вопрошаю себя: почему я здесь, а не там, нет причины быть сейчас, а не потом или прежде. Кто определил мою судьбу? Чей приказ, чей промысел предназначил мне это время и место?» Очень интересна мысль английского исследователя Уолтера Патера (Walter Pater, 1839 – 1894): «Боттичелли принимает именно то, что Данте отвергнул, как недостойное ни ада, ни рая, – тот средний мир, в котором находятся люди, не принимающие участия в великой борьбе и не решающие великие судьбы, но совершающие великие отречения». И даже Богоматерь Боттичелли, по его мнению, «одна из тех, кто ни с Иеговой, ни с его врагами». Чертой современного интеллектуализма являются духовные странствия. Наша мысль вечно бродит в далёких прошлых мирах, нас интересуют древние храмы и события. Боттичелли преклонялся перед «Божественной комедией» Данте, рисовал к ней иллюстрации и даже писал комментарии.

Воображение Боттичелли стремилось воскресить классические мифы, чтобы дать толчок для новых источников творчества. Одним из жизнеописателей Боттичелли высказаны мысли, что его «Мадонны и Венеры производят впечатление утраты, вызывая этим в нас чувство неизгладимой печали… Одни из них утратили небо, другие – землю». В одних Боттичелли отрекается от христианского мира, в других – от языческого. Он заключил себя в тот «средний мир», где «души, недостойные ни ада, ни рая», или, по слову Данте, сгорают священно-бесцельным пламенем творчества. Он был одним из первых героев нового человечества, обречённого жить под равнодушным небом и на опустошенной земле, усеянной обломками разбитых верований, пророчеств и обещаний. Он первым одиноко встречал утренний туман нового и долгого дня в истории мира под единственным знаменем чистого искусства.

В 1481 году Папа Сикст IV пригласил Боттичелли, Козимо Россели и Гирландайо в Рим для того, чтобы написать фрески на боковых стенах только что построенной Сикстинской капеллы. Боттичелли выполнил 3 фрески: «Сцены из жизни Моисея», «Исцеление прокажённого и искушение Христа» и «Наказание Корея, Дафана и Авирона». Во всех этих фресках художник «мастерски решил проблему изложения сложной богословской программы в ясных, лёгких и живых драматических сценах». В творениях Боттичелли особенно ярко воплотилась мечта современного ему века, в котором душу эллинизма пытались соединить с душой христианства. Он создаёт Палладу, венчающую голову кентавра, этот тонкий комплимент в адрес дома Медичи принесшего торговому городу блага искусства и науки. Лоренцо Медичи по прозвищу Великолепный заказал эту картину у Боттичелли для своего кузена, который только что женился. Подарок был с подтекстом. У кузена была слава распутника и родня считала и очень надеялась, что женитьба остепенит его. Молодая жена (Паллада) одержит победу над животными чувствами жениха (Кентавра).

Эта идея выражена в картине. Это был изысканный подарок. Прекрасная картина, висящая над камином виллы Кастелло и говорящая «Позвольте Вашей жене вернуть Вас в образ человека». Это была первая аллегорическая картина Боттичелли. Забавно, что кузен должен был однозначно понять мораль картины, на платье Паллады присутствуют элементы из трёх и четырёх колец (основные эмблемы дома Медичи).

Как в жизни, в искусстве порой резко меняется вектор идеологии: за упоением земными радостями следует пресыщенность, атеизм сменяется стремлением к мистицизму. Когда Флоренцией стал править Лоренцо Великолепный, в обществе утвердился его девиз: «Будем веселиться праздничным весельем». Но потом, за праздничным угаром последовало глубокое похмелье, за культом чувственности – суровый аскетизм. На сцену истории вышел грозный и стоический образ – монах Джироламо Савонарола. Яростный борец против роскоши и разврата постепенно получил огромную популярность в народе. Он проклял изображение обнажённых тел и создание в живописи современных портретов! В религиозных пожарищах, которые устраивали сторонники Савонаролы, погибло множество прекрасных картин Боттичелли. Ещё при жизни художника! «Рождение Венеры» – одна из немногих сохранившихся до нашего времени картин. Это величайшее творение художника, как и его «Весна» находилось в глубоком забвении на тихой вилле Кастелло в окрестностях Флоренции. И только в середине XIX века их заметили и заново открыли миру талант великого художника.

Современники считали Боттичелли едва ли не самым лучшим художником, о котором знатоки говорили, что он прекрасно пишет как на доске, так и на стенах, а его картины полны необычайной силы и отличаются совершенством пропорций. Но не античными, а христианскими картинами завершилось творчество художника. Состояние дел в обществе, религии требовало вновь строгих норм. В творениях Боттичелли стали преобладать ноты морализаторства, религиозной экзальтации драматизма. Например, в картине «Мистическое рождество» мы видим прямую иллюстрацию проповедей Савонаролы, в которой он призывает людей покаяться и отказаться от греховных удовольствий, а ангелы спасут их за это. Ангелы олицетворяют веру, милосердие и надежду – в белых, красных и зеленых одеждах кружат в экстатическом хороводе.

Знаменитая проповедь Савонаролы, которая была посвящена необходимости обновления церкви и близкой смерти нераскаявшихся грешников, нашла свой отклик в последних работах Боттичелли на этой земле. Как будто совершенно другой художник написал эти работы. Всё свидетельствует о необыкновенной перемене во взглядах на мир. Резкие контрасты цветовых пятен, внутренняя напряженность рисунка – художник явно уходит в сторону большей религиозности и даже некоторого мистицизма! На этой картине, изображающей оплакивание Христа, все действующие лица сцены, включая Иосифа Аримафейского, держащего гвозди от Распятия и терновый венец, полны глубочайших переживаний. И всё-таки мысли о предназначении художника и собственное видение жизни не оставили Боттичелли в покое. Рисунки к «Божественной комедии» Данте при острой эмоциональной выразительности сохраняют лёгкость линии и ясность образов.

Искусство Возрождения. Очерк 14 - заголовок

Какая общественно-политическая атмосфера окружала развитие итальянского возрождения в XIV веке?

Более шестидесяти лет Римские папы пребывали в маленьком французском городке-крепости Авиньоне. Происходило это из-за давления, оказываемого на папский престол французскими королями. Этот период еще называют Авиньонским пленением пап. Эта изоляция существенно ослабила влияние на все политические и экономические дела стран Европы. Даже латинский язык стал постепенно заменяться на живую, жизненную речь. Стали развиваться национальные литературы. Огромное значение произвело появление «Божественной комедии» Данте. В ней повествование ведется совершенно другим, гибким, живым языком. Совершился прорыв в мыслях понятиях. Сам взгляд на католичество претерпевал значительные изменения. Например, Папа Николай V  был настоящим меценатом наук и искусств. Его друг и единомышленник Козимо Медичи являлся настоящим врагом современного ему католицизма. Когда он умирал, то призвал для исповеди не своего духовника, а философа! Он читал перед постелью умирающего цитаты из греческой философии!

Среди поэтов возник большой интерес к старинной греческой философии и литературе. Петрарка и Боккаччо вообще считали их фундаментом современной литературы и призывали всех скрупулезно изучать их.

В XV веке произошло два события, повлиявших на всё общественное, политическое и экономическое устройство мира: открытие Колумбом Америки и завоевание Константинополя турками.

Масса греков - учёных и художников ринулись в соседнюю Италию искать спасения от яныхчар. В те времена даже латинский перевод Библии, считавшийся на тот момент непревзойдённым, потерял свою привлекательность по сравнению с еврейскими и греческими подлинниками, которые хранились в библиотеке византийцев. Нельзя забывать и о таком замечательном событии, имевшем огромное влияние, как изобретение в 1440 году книгопечатания Иоганном Гуттенбергом. Центром европейского процесса в этом деле стала Венеция. На её долю приходилась почти треть всех изданий, за первые тридцать лет вышедших в Европе. Италия вообще была в то время островом развития и благополучия. В Англии шли жестокие войны Алой и Белой роз. Нравы, царившие там в то время, лучше всего отражены в произведениях Шекспира. Там было не до искусства… В Германии также шли ожесточенные междоусобицы. А в Италии расцветала торговля, привлекавшая капиталы. В отношениях между государствами царило не право кулака, а дипломатия. Успехи её в переговорах превышали возможности, которые давали правителям наёмные войска и боевые колесницы. Но главное: стала остро ощущаться необходимость в умственных наслаждениях. Мы часто во многих исторических и литературных произведениях читаем про великолепие французского Версальского двора. А ведь он был жалким отголоском итальянских резиденций. В Версале ценилась светская салонная говорильня, а в Италии уже была учреждена академия философии, где, несмотря на чины и звания, беседовали и спорили люди, представлявшие весь цвет учёности и искусства.

Бежавшие из Византии греки возродили в Италии так называемые пиры Платона – споры и беседы, выводившие на правильный путь решения проблем во всех областях жизни и искусства. Итальянцы жили шумно и весело. В цене были ум, художественный вкус. А соблюдению формальностей отводилось совсем небольшое место. Общество просто «купалось» в искусстве, которое оказалось очень близким его национальному характеру. Ценилось умение рисовать и разбираться в живописи. Изменился взгляд на женщину. От неё больше не требовали слепого подчинения. Они стали получать такое же образование, как мужчины. Они стали также заниматься интеллектуальным трудом. Интересно, правда, что считалось неприличным женщине следовать крайностям в оценках. Ей это не к лицу. Она должна держаться золотой середины во всём, стремиться к гармонии между внешним и внутренним обликом. Появилось множество высокообразованных женщин, с тонким, изящным вкусом и умом. Всё это отразилось в произведениях искусства. Нигде образы Мадонны и святых не были воплощены с таким вкусом и мастерством, как в Италии. Тихая кротость, чистое сияние красоты, порой не лишенной кокетства – всё это отличительная черта итальянской школы, проявившаяся, прежде всего, в работах величайшего своего представителя Рафаэля Санти (1483 – 1520).

Вся жизнь Италии того времени – какой-то чудесный парад, сплошной непрекращающийся праздник. Когда герцог объезжал свои владения, за ним шествовало несколько тысяч человек, блестяще одетых, в шелках и в бархате. Он путешествовал со всех охотничьей свитой, с сотнями собак и соколов. Герцогиня Лукреция Борджиа въезжала в город с 200-ми амазонками, и за каждой еще следовал кавалер! Царивший в обществе культ наслаждения сильно критиковали представители церкви. Лютер, например, как-то выразился, что итальянцы либо эпикурейцы, либо фанатики. И когда Савонарола утверждал, что жизнь в Риме животная, он был недалёк от истины. Театральные пьесы были достаточно фривольны по содержанию, такими же были и дворцовые представления на мифологические сюжеты. В основном обыгрывались охота и любовные похождения богов. Даже Папа Лев X, будучи человеком хорошего образования и изящного вкуса, не чурался наслаждений. Он подшучивал над своими гостям, угощая их блюдами из обезьян или ворон. Также он очень любил носиться целыми днями на коне за оленями или кабанами. У него был шут-монах Марианно, который для того, чтобы позабавить гостей, проглатывал сразу целого голубя или 20 цыплят и 4 яйца. Невольно всё это напоминает любовь к зрелищам, свойственным Древнему Риму. Состязания и бега тоже были очень популярны.

Общественное сознание выделило 2 генеральные мысли: силу мысли и интерес к человеческому телу. И это нашло отражение в литературе и живописи. Истинной целью искусства, по мнению итальянцев, должно было стать яркое и живое изображение человеческого тела. Всё остальное, по словам, Микеланджело, пустая забава, которую можно оставить меньшим талантам. Челлини говорил: «Для искусства нужно одно: уметь превосходно выписать мужской и женский торс». Нигде, кроме как в изображении сильных, здоровых, атлетических фигур, итальянское Возрождение не перекликалось с той же тематикой из древнегреческой скульптуры и искусства. Влияние последнего в этом наиболее прозрачно и родственно. Итальянской живописи также характерно было отсутствие изображения жесткости в произведениях. Только в период упадка в Болонье появились трагические сюжеты. Расцвет итальянских школ был непродолжителен и охватил конец XV – начало XVI веков. Круг художников небольшой, но каждое имя является целой эпохой в искусстве, в мировой живописи: Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль Санти, Андреа дель Сарто, Бартоломео Фра, Тициан, Сабастьяно дель Пьомбо и Антонио Корреджо.

Искусство Возрождения. Очерк 15 - заголовок

Леонардо да Винчи.

Великий художник Возрождения родился в 1452 году. Имя его в процессе познания приобрело славу сверхъестественного человека, во многом опередившего своё время в самых разных областях науки и искусства. Его просто не с кем сравнить в истории, настолько удивителен и разносторонен он был во всех областях своей деятельности. Даже физически он мог похвалиться недюжинной силой, умел отлично фехтовать и танцевать, знал толк в рыцарских упражнениях и прекрасно разбирался в музыке. Определяющей мыслью для него являлось то, что основа любой науки – это опыт и наблюдение. Чем бы он ни занимался в жизни, он всегда руководствовался этой идеей. Мы забыли, что именно он первым в математике обосновал теорию сил, действующих на рычаг в косвенном направлении. Занимаясь астрономией, он первым высказал предположение о том, что Земля вертится. Занимаясь анатомией, первым разобрался в назначении радужной оболочки глаза и её функциях. Он сформулировал законы движения тел по наклонной плоскости и падения тел, а также проводил многие научные исследования в самых разных областях. Уже одних этих заслуг хватило бы, чтобы обеспечить ему всемирную славу и почтение! Но самое поразительно в том, что ко всему этому он относился несерьезно, как будто к какому-то баловству! А своим основным делом считал скульптуру и живопись! Здесь он проявил себя как настоящий гений, оказав самое ошеломляющее влияние на все поколения. Чем бы ни занимался Леонардо да Винчи, он всегда стремился вникнуть в суть дела, не довольствуясь поверхностными результатами. Чего, например, стоят его занятия анатомией; он первым стал расчленять трупы, чтобы понять расположение и строение мышц, а затем воспроизвести это в своих работах. Необходимость всегда зарабатывать на кусок хлеба приводила его к разработке всяких увеселительных изобретений для аристократов, например, летающих птичек, надувающихся пузырей, фейерверков. А ещё он руководил водоотведением из реки Арно, строительством различных фортификационных сооружений, крепостей, командовал артиллерией при осаде Милана французским королем. А параллельно с этими «серьёзными» делами он придумал и сконструировал великолепную 24-струнную серебряную лиру, восхитившую тогдашнего правителя Лоренцо Великолепного. Тот подарил её от своего имени герцогу Лодовико Моро, отправив Леонардо с неё к нему и с сопроводительным письмом, в котором рекомендовал Леонардо как искусного военного инженера. Вообще он отлично подошёл к этому блестящему двору. Он был безупречным кавалером. От него исходила такая красота, что самый печальный человек радовался при виде его. Он очень подходил к веку, который хотел не только творить искусство, но и претворять его в жизнь. Леонардо да Винчи был незаконным сыном богатого флорентийского нотариуса, который очень любил его и не жалел средств для его образования. В то время считалось, что для каждого благородного итальянца необходимо владеть искусством рисования. Так он попал в мастерскую Веррокьо. Он учился там одновременно с Боттичелли, Перуджино, Гирландайо. Однажды Веррокьо поручил Леонардо да Винчи закончить начатый им образ ангела на картине «Крещение Христа». Ученик сделал это настолько блестяще, что потрясённый учитель навсегда решил оставить живопись! В 1480 году миланский правитель Лодовико Сфорца решил собрать под своей эгидой выдающихся деятелей науки и искусства со всей Италии. В их число попал и молодой Леонардо да Винчи. Но в качестве не живописца, а великолепного музыканта, композитора и импровизатора! Но вскоре, убедившись в его художественных способностях, Лодвико поручает ему создание миланской академии художеств. Став её директором, он написал серию замечательных трактатов о живописи, ставшими первыми серьёзными учебниками для художников. Их значение ярко охарактеризовал известный художник Возрождения Караччи: «Как жаль, что я не прочитал их раньше, они заменили бы мне мой двадцатилетний опыт!» Как показывают разнообразные рисунки Леонардо, во время пребывания на посту директора академии, он обязан был придумывать костюмы для придворных дам, разрабатывать обстановку свадеб и всяческих праздников. То есть, как бы сейчас сказали, быть дизайнером и стилистом. И в то же время он не оставлял своих занятий наукой. Во время пребывания у Сфорца на протяжении 16 лет Леонардо трудится над созданием грандиозной конной статуи герцога Милана и основателя династии правителей Франческо Сфорца. Выполненная из глины модель была выставлена для всеобщего обозрения. Люди были потрясены совершенством её исполнения. Были готовы формы для отливки из бронзы. Но не хватало этого металла. Он весь уходил на войну: из него отливали пушки. А потом случилось и вовсе печальное событие: когда в 1499 году французы заняли Милан, они сделали модель конной статуи мишенью для стрельбы. Она была сильно повреждена, а формы для отливок – утеряны. Переживая глубокую депрессию, Леонардо покидает Милан. Покидает, оставляя и прекрасную фреску «Тайная вечеря».

Создан этот шедевр человеческого гения был в пору серьёзных научных изысканий Леонардо, когда он работал над теорией светотени и воздушной перспективы. Картина получилась очень большой: она занимала стену шириной в одиннадцать с половиной метров в трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие. Эта композиция является одним из священных изображений Католической и православной церквей. Само событие Тайной вечери историками трактовалось по-разному. До Леонардо обычно художники изображали, как Христос подходит к своим ученикам и наделяет их хостией или как все они вместе сидят за одним столом. Леонардо выбрал лейтмотивом картины слова Христа «Один из вас предаст Меня». И этим сразу достиг единства действия, реакции персонажей на эти слова! Спаситель произнёс их, и лица двенадцати учеников отражают разные чувства: гнев, отвращение, тревогу, невинность, страх, любопытство, возмущение, удивление. И не только лица, но и движения тел переданы гениально: один встал, другой откидывается назад, третий поднял руку, будто хочет поклясться, четвёртый приложил руку к груди, уверяя, что это не он... Новой является не только трактовка темы, но и композиция. Определяющей её является лицо Христа. И заставляя одних учеников подняться, других склониться, всей композиции придается форма волнистой линии: точно от Христа исходит морской вал с поднимающимися и падающими волнами. Леонардо да Винчи писал эту картину масляными красками, а не фресковыми. Близость кухни и трубы горячего водоснабжения, проходившие позади стены, губительно сказались на её состоянии. Также сильное влияние наводнения 1550 года повредило стену с росписью и краски поблекли и потускнели. В XVII веке в стене прорубили дверь, частично повредив ноги в изображении Христа. В XVIII веке художник Беллотти сделал попытку реставрировать картину, но успеха не добился. Лет 50 спустя другой художник, Мацца, окончательно испортил гениальное произведение. Когда в 1796 году Наполеон провёл свою армию через Альпы, войскам был отдан строгий приказ как можно бережнее относиться к предметам искусства. Тем не менее, французы превратили помещение с прекрасной картиной в конюшню и склад для сена. Тем не менее, даже при таких неблагоприятных обстоятельствах для потомков, представление о «Тайной вечери» можно получить по авторскому картону и по хорошим копиям, которые выполнили ученики Леонардо. Тщательное изучение этих копий позволило создать гравюру, которая с тех пор является образцом для всевозможных копий картины. Гений Леонардо придал удивительное разнообразие головам апостолов: выражения лиц настолько превосходны, беспомощная скорбь самого Христа делают всю работу столь исключительной, что она до сих пор остаётся уникальной и великой картиной.

В 1499 году французы заняли Милан и Леонардо да Винчи вернулся во Флоренцию и занялся живописью. Здесь им был написан превосходный картон «Святое Семейство» и другой, представляющий собой проект фресок для зала суда во Флоренции (1503 – 1504). В это же время правительство Флорентийского государства поручило Леонардо да Винчи и другому великому итальянскому художнику и скульптору Микеланджело Буонаротти выполнить масштабную фреску, изображающую битву между флорентийцами и миланцами, которая произошла в 1440 году. К сожалению, эти картины не сохранились и о чудесном произведении мы можем судить только по копии Рубенса, выгравированной на меди.

К числу картонов, выполненных Леонардо да Винчи в этот период, можно отнести и «поколение волхвов» и ряд портретов, из которых особенной славой пользуется портрет Моны Лизы. Вообще, в женских портретах и головках Леонардо чувствуется очень своеобразное, какое-то таинственное выражение лица: разрез глаз, оригинальная линия бровей, полу-улыбка, блуждающая на изогнутых губах, взгляд, загадочный или скрытый полуопущенными веками, отличает работы этого художника от других мастеров. Потрет Моны Лизы точнее называется «Портрет госпожи Лизы Джокондо».

По-итальянски ma donna означает «моя госпожа». В сокращённом варианте употребляется monna или mona. Вторая часть имени модели считается фамилией её мужа. Знаменитый искусствовед прошлого Джорджо Вазари писал об этой картине: «Это изображение всякому, кто хотел бы видеть, до какой степени искусство может подражать природе, даёт возможность постичь это наилегчайшим образом, ибо в нём воспроизведены мельчайшие подробности, какие только может передать тонкость живописи... И поистине можно сказать, что это произведение было написано так, что повергает в смятение и страх любого самонадеянного художника, кто бы он ни был». Во Флоренции был создан превосходный картон «Мадонна с Младенцем и святой Анной».

Он сажает Марию, изображенную взрослой женщиной, на колени Анны и заставляет склониться её к младенцу Христу, играющему с барашком. Это дало ему возможность создать цельную композицию. Вся группа производит впечатление высеченной из глыбы мрамора ваятелем. У всех предшественников Леонардо святая Анна – в соответствии с текстом Евангелия – добрая бабушка, играющая со своим внуком. Леонардо не любил старости. Он не решается изображать увядшее тело, испещрённое складками и морщинками. У него Анна – женщина чарующе красивая. Образы картины стали еще более таинственными. Внёс он новое и в решение освящения. В картине «Мадонна в гроте» он использовал пейзаж с доломитами, чтобы заставить бледные лица и бледные руки мерцать из нежного полумрака.

Здесь фигуры выделяются воздушнее и мягче на фоне дрожащего светлого воздуха. Преобладают нежно преломляющиеся розовые и голубоватые тона. Над чарующим пейзажем взор улавливает вдали расплывающие горы, выступающие на небе, подобно облачкам.

К этому же периоду творчества Леонардо да Винчи относится другое замечательное полотно – «Мадонна с веретеном». Тоже, к сожалению, сейчас утеряная.

До нас дошли её три копии, из которых две относят к кисти да Винчи или к его школе. Младенец Христос держит веретено в виде распятия. Веретено всегда считалось символом домашнего очага Девы Марии и Креста, напоминающего судьбу Иисуса Христа. И в классической мифологии веретено – это символ человеческой судьбы. Небольшие картины на досках Леонадро да Винчи обычно отдавал для выполнения своим ученикам. Или начинал их сам, а затем они заканчивали их. Только портрет Моны Лизы, супруги Франческо дель Джокондо – его собственноручное произведение от начала до конца. Никому из современников не удавалось дать такую изящную округлённость, такое мягкое положение рук. Вообще, Леонардо, как никто другой из художников Возрождения, с необычайной серьёзностью относился к изображению рук.

Ещё в «Трактате о живописи» художник советовал писать портреты с руками, так как они не менее красноречиво характеризуют человека, чем лицо. Причём, руки он советовал располагать так, чтобы одна располагалась над другой. Например, этот портрет Джиневры Бенчи

относят к кисти Леонардо, потому что считают, что руки были просто-напросто обрезаны. В этом портрете Леонардо впервые поместил изображаемую модель среди открытой природы, который тал путём для создания стандарта для портрета времён Ренессанса. Посмотрите на рисунок этих рук

Этот эскиз поразительно подходит для руки Джиневры Бенчи по своим пропорциям и структуре. Скорее всего, этот рисунок является этюдом к картине и предполагает, что модель держит в руке цветок или украшение. Только у Леонардо ранее костистая и жёсткая рука у персонажей на картинах становится живой: тёплой и чувственной. Точно так же прославлял он очарование красиво очерченных губ и прелесть нежных плеч.

Его очень интересовал рисунок волос. Для Леонардо женские волосы были источником неиссякаемого вдохновения. Без устали рисовал он, как они мягкими линиями вьются вокруг лба или развеваются и колышутся.

А вот что он писал об изображении тканей на картинах: «Драпировки следует срисовывать с натуры, именно – если ты хочешь срисовывать шерстяную материю, то применяй складки соответственно этому; если же эта материя будет шелковой, или тонкой, или вуалью, то разнообразь у каждой из них её складки».

В 1515 году художник принял приглашение французского короля Франциска I и переехал жить в его страну. Местом жительства ему назначили город Амбуаз, любимую резиденцию молодого короля. Его ученик Франческо Мельци сопровождал его и жил с ним на вилле Клу, по соседству с дворцом, на самой окраине города.

Здесь великий художник и умер 2 мая 1519 года. Масштаб личности Леонардо оценивали и современники. Тот же Мельци сообщал родным художника о его смерти так: «Все оплакивают вместе со мной смерть человека, столь великого, что у природы не хватило сил создать ещё одного, ему подобного».

Влияние Леонардо да Винчи на эпоху было огромно. Он стал основателем нового живописного стиля. Наступила эпоха «светотени», нового учения о композиции и красках. Леонардо освободил искусство от пессимизма и аскетизма, ворвавшихся тогда в него, вернул ему жизнерадостность, светлое настроение античного мира. Все его творения буквально пронизывает влюблённый в красоту дух гения! Подобно тому, как его самого не привлекала физическая сила, так и его ученики не любили изображать мужественные типы, а если они их изображали, то придавали им оттенок женственности и соблазнительной мечтательности. Ученики Леонардо открыли пластику женского тела. Подобно более поздним художникам эпохи рококо, они отгадали особую прелесть, присущую одеяниям, которые точно случайно обнаруживают кусочек обнажённой груди или плеча. Тело перестало быть пластически-холодным. Мягкое сфумато вызывает такое чувство, будто вы смотрите на тёплую, живую плоть. Под влиянием Леонардо да Винчи произошёл коренной переворот и в области христианской иконографии. Ученики Леонардо, шедшие по стопам учителя, превратили Мадонну в элегантную светскую даму. Недавнее чувство религиозного благоговения было переведено на язык земной галантности. Изображая Мадонну, они слагают гимн в честь красоты. Не похож и Младенец Христос на маленького Иисуса с ранних картин. Художники ищут всё новые мотивы, чтобы подчеркнуть мягкие линии Его тела. Подобно тому, как Мария не скорбит, а нежно грезит, точно вспоминая о далёком поклоннике, Младенец Христос не благословляет, не держит в руке свиток Писания, не исполнен печали. Леонардо открыл также и чувственную прелесть ребёнка. Вот почему наряду с Иоанном-юношей встречаются изображения Иоанна-ребёнка. Если художники кватроченто рисовали его измождённым мужем с книгой в руке, на которой покоится Агнец Божий, то теперь он стал милым мальчуганом, сидящим верхом на овечке и улыбающимся зрителям. Отнюдь не прославлению аскетизма служат картины школы Леонардо. Влюблёнными мечтателями стали и святые. Георгий уже не сражается с драконом. В основу своих картин художники кладут мысль, что он любит порабощённую чудовищем девушку, и изображают его, как он после битвы сидит рядом с возлюбленной и нашёптывает ей нежные слова.

Можно подытожить, что жизнерадостный дух охватил Италию под влиянием Леонардо да Винчи.





 
Все права принадлежат их обладателям.
Остальные - © LeJardin 2003-2006
Тел. в Москве: 997-4629; 8-916-151-4139
web дизайн, создание сайтов, веб дизайн, разработка сайтов, продвижение сайта, web сайт, раскрутка сайта, дизайн студия [AD]